阅读下面的文字，完成下面小题。
材料一：
先秦儒学对于心性的探讨，主要停留在现实经验的伦理道德层面。直到宋明时期，在隋唐佛教本体论思维影响下，儒学心性论才从经验的层面上升到本体论的高度。
心与性是宋明儒学心性论的核心概念，心在宋明儒家那里主要有两种含义:一是道德本心，属于道德理性范畴;二是理智之心，属认知理性范畴。性在宋明儒家那里，主要是指人的本性、本质，同时又是一个内在的价值范畴。宋明儒家认为，人性根源于天道。《中庸》谓“天命之谓性”，就是说天道下贯为人性，天道与人性相统一。性是根源于天道的客观性原则，心是主体性自觉意识的形著原则。
佛家所说智“心”是无分别直觉智慧，属于超理性的范畴，不是道德理性。佛家所说“性”，是指宇宙空理、实相，实际上是境界本体。佛家追求以直觉智慧亲证宇宙实相，获得超道德的宗教解脱之境。儒家所说本心根源于天道生生实体，心体或性体既是道德本体，也是宇宙本体。儒家强调存养本心，以保持本心的昭昭不昧，通过本然之心的随感应物(“寂然不动，感而遂通”)而实现宇宙自然与道德秩序的统一。
儒家心性论旨在明见人性本源，经由尽心尽性而知天，与天道相契应，实现生命境界的超越;通过参天地赞化育，发挥心本体的创生功能，将宇宙创造成合目的道德世界，实现宇宙自然与道德秩序的统一。佛家则注重开发众生本有的智慧，追求以超理性的直觉智慧体证宇宙实相，成就宗教上的理想人格；并通过无所执著、随缘顺化的人生态度，而达到超道德的宗教境界。儒家关注如何在现实世界建构理想的道德和政治秩序，佛家则关注如何实现超道德的、无烦恼的人生境界。
(摘编自单正齐《宋明儒学与佛教——基于心性论视域中的比较》)
材料二：
北宋僧传，当首推释赞宁的《宋高僧传》。释赞宁，五代吴越人，宋初随吴越王钱俶入朝，获封“通慧大师”，曾任翰林院学士、史官编修。在宋真宗支持下，《宋高僧传》于端拱元年（988年）编修完成，主要载录唐代僧人事迹。
释赞宁的“国师”身份，加之《宋高僧传》的编撰背景，使这位皇家僧侣与世俗政权格外亲近。在《进〈宋高僧传〉表》以及《高僧传序》中，赞宁阐明编撰宗旨，褒扬世俗政权对宗教的支持。如果舍去冗繁的赞辞与形式化的客套，不难看出宋初僧人有意取法史传，对世俗政权与佛教的互利发展有着清醒的认识。
赞宁《宋高僧传》体例上的最大变化，莫过于将传记人物分为“译经”“义解”“习禅”“明律”“护法”“感通”“遗身”“读诵”“兴福”“杂科”等十科，每科之下又有十六字注疏。“十科”述评文字简短，类似史赞。
释智圆，字无外，自号中庸子，生于北宋太平兴国元年(976年)，卒于乾兴元年(1022年)。宋代之前的僧人很少有自传，智圆改变了这种局面。智圆个人文集《闲居编》收录《中庸子传》《病夫传》，两篇均为自传。《中庸子传》洋洋数千言，篇幅规模远超唐人。《病夫传》也是作者自叙心志之作，篇幅较短，内容上承接《中庸子传》，可视为《中庸子传》的补充。
传记具有史传属性，应如实记述人物的言行事迹。然而，“自传”却有不同，尤其是中国的自传，更注重精神世界的开拓和文化人格的塑造，至于人物事迹反倒在其次。《中庸子传》与《病夫传》继承了陶渊明以来的自传传统，注重自我思想的阐发，追求理想的人生境界，譬如，《中庸子传》以儒家“中庸”解读释氏“中观”，又以“中观”反证“中庸”，由此建立“儒释互补”的文化格局；《病夫传》则以“病”为寓，表明“不为权动，不为名役”的人格理想。释智圆的自传虽也涉及个人的部分经历和平生著述，但这些身外之事、身外之物无非是要阐述作者的“中道”观，表达“儒释相贯”的理念。
释契嵩(1007-1072年)，字仲灵，藤州镡津人（今广西滕州），七岁出家，先后受业于衡山洪堙禅师、筠州晓聪禅师，游历庐山、杭州等地，卒于杭州灵隐寺。契嵩主要活动于北宋仁宗朝。此时政治安定，文治隆盛，释家僧众文化修养普遍较高，尤其热衷于文艺创作。契嵩生前撰有《嘉祐集》《治平集》，共百余卷，宋僧怀悟整理散佚作品，编有《镡津文集》21卷。
今本《镡津文集》卷13载录两篇传记：《陆蟾传》《韩旷传》。《陆蟾传》和《韩旷传》是典型的“文集传记”。两篇作品篇幅短小，以论为主，叙事扼要，吸收史传人物论特点，以一事展开议论。陆蟾乃民间高隐，与作者并无直接接触。契嵩久闻其诗名，又听闻另一位隐者高阆论及陆蟾之诗，进而由诗想见传主品行，遂有“负节守道”的感慨。契嵩认为，由诗观志，“则君子、小人可以尽之”。“诗言志”是感知传主内心世界的重要途径。《陆蟾传》几乎没有记载传主“守节”的具体事迹，全由传主的诗歌引发感慨，如此体式自不同于历代《高僧传》，在唐宋私家传记中也颇具特色。
(摘编自孙文起《“援儒人释”：论北宋“僧传”的文体自新》)
1．下列对材料相关内容的理解和分析，不正确的一项是( )| A．儒学心性论在先秦时期主要还停留在现实经验的伦理道德层面，直到宋明时期，儒学心性论才上升到更高的层面。 |
| B．心与性既是宋明儒学心性论的核心概念，也是佛家的概念，在儒学和佛家那里概念的内涵却不完全相同。 |
| C．释赞宁所说世俗政权对宗教的支持并非虚言，他自己就有“国师”的身份，《宋高僧传》的编修也得到皇帝的支持。 |
| D．释智圆《中庸子传》与《病夫传》均为自传，前者叙述个人经历的文字比较少，后者则是在这方面作为前者的补充。 |
| A．材料一与材料二都运用了对比的论证方法，不过二者比较的内容与目的都不相同。 |
| B．“与天道相契应，实现生命境界的超越”与实现“无烦恼的人生境界”本质上是一样的。 |
| C．材料二大体按照创作的时间顺序介绍了《宋高僧传》《中庸子传》等僧传的写作风格。 |
| D．儒家和佛家都为成就理想人格提供理论基础和实践依据，都体现出人本主义特色。 |
| A．本心是先天的至善本体，来源于天理的性，内蕴于本心，所谓“理在人心，是之谓性”。 |
| B．“性”即是空理，诸法缘起性空。“未曾有一法，不从因缘生；是故一切法，无不是空者”。 |
| C．《起信论》认为众生本具如来藏自性清净心（真如心），具有先天的解性或本觉。 |
| D．一念无明法性心，无明当体即空，当体即是自性清净心，空性即心，心即空性。 |
5．请结合两则材料分析中国本源的传统文化与外来佛教文化是怎样相互影响的。
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材料一：
所谓建筑的外部空间，就是建筑外墙以外建筑群之间的空间，如果有包围整个建筑群的围墙，一般就指围墙以内的范围。如果没有围墙，那就指从视觉而言建筑群的影响范围。
中国人有特别强势的群体观念，很早就发展了群体构图的概念：建筑群以院落的形式横向伸展，占据很大一片面积。中国建筑通过多样化的院落方式，把各个构图因素有机组织起来，包括各单体之间的烘托对比、院庭的流通变化、空间与实体的虚实相映、室内外空间的交融过渡，形成总体上量的壮丽和形的丰富，渲染出强烈的气氛，给人以深刻感受。因此，欣赏中国建筑，不仅要欣赏某座建筑单体的造型，欣赏它的体、面、线的变化，欣赏内部空间所营造的气氛以及装饰的运用，而且要以更宏大的目光，着眼于欣赏建筑群的整体处理，包括单座在群中的作用，单座与单座的关系等。可以说，“美在关系”这句话在中国建筑中体现得最为鲜明。
像紫禁城这样巨大、复杂而表现出极高水平的建筑群体构图，在别的国家是极为少见的，可以说是全世界的最高典范。西方建筑的出发点是面，完成的是团块状的体，具有强烈的体积感。欣赏西方建筑，就像是欣赏雕刻，它本身是独立自足的，人们围绕在它的周围，其外界面就是供人玩味的对象。在外界面上开着门窗，它是外向的、放射的，欣赏方式重在“可望”。
中国建筑的出发点是线，完成的是铺开成面的群。以绘画作比，群里的廊、墙、殿、台、亭、阁以及池岸、曲栏、小河、道路等，无非都是些粗细、浓淡、长短不同的“线”。中国的建筑群就是一幅“画”，其外界面是围墙，只相当于画框，没有什么表现力，对于如此之大的“画面”来说，人们必须置身于其中，才能见到它的面貌，所以不是人围绕建筑，而是建筑围绕人。中国的建筑是内向的、收敛的，其欣赏方式不在静态的“可望”，而在动态的“可游”。人们漫游在“画面”中，步移景异，情随境迁，玩味各种“线”的疏密、浓淡、断续的交织，体察“线”和“线”以外的空白（庭院）的虚实交映中所展现的全“画”的神韵。
就像中国画中任何一条单独的线，如果离开了全画就毫无意义一样，中国建筑的建筑单体一旦离开了群，它的存在也就失去了根据。太和殿只有在紫禁城的庄严氛围中才有价值，祈年殿也只有在松柏浓郁的天坛环境中才有生命。
中国建筑的空间美，不如说主要存在于室外空间的变化之中。就建筑单体而言，室外空间是外部空间，但就整个建筑群而言，它又是内部空间。但这个空间只有一个量度——它是露大的。而且即使在水平方向，它也随时可以通过空廊、半空廊、檐廊、亭子和门窗渗透到其他内外空间，它的大小和形状都是“绘画”性的，没有绝对明确的体形和绝对确定的体积。这种既存在又不确定，似静止而又流动的渗透性空间，就是所谓“灰空间”，好像国画中的虚白和虚白边缘的晕染，空灵俊秀，具有无穷美妙的意境——“即其笔墨所未到，亦有灵气空中行”（高日甫《论画歌》），“虚实相生，无画处皆成妙境”（笪重光《画筌》）。艺术家匠心所在，常常正是此无笔墨处。
（摘编自萧默《建筑的意境》）
材料二：
中国建筑以单体建筑为出发点，先是构成一个具有组合功能的封闭的庭院空间，然后以庭院空间为基本单元，向纵横两个方向，尤其是向纵向（南北方向）加以发展，从而构成一个更大的闭合空间。一般较大的建筑群，如宫殿、寺庙等，都是采用这种方式，甚至民宅也采用了这种庭院空间的方式，北方的四合院就是典型代表。有的民宅，虽然是较小的单体建筑，但也会在其前后围护一个简单的庭院空间。所以，中国建筑美学的历史发展是以外部空间的组织为基本线索的，这一特征十分明显。中国建筑艺术空间表现的一个重要特征：即从其中心点（往往是主体建筑）出发，向外扩展，形成丰富的外部空间。
一般的庭院是在民宅中常见的四合院形式。即把各种有着不同功能的单体建筑组织为一个闭合的庭院空间。它往往有一条南北走向的中轴线，沿轴线布置主要建筑，两侧以及其对面则为次要的建筑，然后再用围墙或者廊庑构成一个长方形或正方形的闭合空间。
一般大型建筑往往由多重庭院空间组成一个更大的闭合空间。从总体上来看，中国的城市就是一个放大了的庭院空间，这个闭合的空间是由众多较小的庭院空间组成，而城市的主体建筑以及道路又把它们组织成为一个有机的整体，严格的轴线对称和条块分割，使整个空间的分割有着明晰的序列性。
（摘编自余东升《中西建筑美学比较研究》）
1．下列对材料相关内容的理解和分析，正确的一项是（ ）| A．欣赏中国建筑之美，不应欣赏单体建筑，而应欣赏建筑群整体，把握单体建筑与建筑群、其他单体建筑的关系。 |
| B．与中国建筑不同，西方建筑本身是独立自足的，不会以建筑群的形式出现，欣赏西方建筑重在从外界面欣赏。 |
| C．建筑有内部空间和外部空间之分，相对于单体建筑的内部空间，中国建筑更加关注单体建筑的外部空间。 |
| D．在中国，无论是一般的民宅还是城市大都很强调对称，庭院或城市往往有一条中轴线贯穿，其主体建筑便沿线布置。 |
| A．材料一认为建筑的外部空间是开放的、露天的，材料二认为建筑的外部空间是封闭的。 |
| B．材料一运用了比喻论证的方法，以“线”“画”等物形象地论述了中国建筑群的特点。 |
| C．材料一中引用了与画有关的句子，指明了中国建筑的空间美存在于空间营造的意境中。 |
| D．材料二对中国建筑美学的历史发展进行了研究，指出庭院空间是中国建筑的基本单位。 |
| A．隔窗云雾生衣上，卷幔山泉入镜中。（王维） |
| B．帆影都从窗隙过，溪光合向镜中看。（叶令仪） |
| C．苔痕上阶绿，草色入帘青。（刘禹锡）。 |
| D．密锁重关掩绿苔，廊深阁迥此徘徊。（李商隐） |
5．《项脊轩志》中，归有光曾以“前辟四窗，垣墙固庭，以当南日，日影反照，室始洞然。又杂植兰桂竹木于庭，旧时栏楯，亦遂增胜”描述自己对项脊轩及周围环境的改造。请结合材料一分析这种改造是如何体现中国建筑“美在关系”这一鲜明特点的。
材料一：
西方戏剧的观念与中国戏曲的观念，是迥然有别的。
古希腊亚里斯多德对戏剧进行了理论总结，写下了著名的《诗学》。他说：“悲剧是对于一个严肃、完整、有一定长度的行动的摹仿。”悲剧“最重要的是情节，即事件的安排……悲剧中没有行动，则不成为悲剧，但没有性格，仍然不失为悲剧。”中国的戏曲理论，无论是明代的汤显祖还是清代的李渔，阐述的重点都是在演员的演技和唱腔方面，剧本的故事无不处于次要的位置。
这种理论上的差异，自然造就了舞台演出的分疆。
西方的戏剧注重情节，强调客观真实性。演员的演出力图逼真。苏联时期的斯坦尼斯拉夫斯基要求演员在演出中放弃自我本性完全投入到角色中去，以期最大程度地符合剧情的客观真实性。他在排演莎士比亚的《奥赛罗》时，这样处理威尼斯的小船驶过舞台：“船下要装小轮子。小轮子必须妥善地装上一层厚橡皮，使船能平稳地滑动……小船要十二个人推着走，用鼓风机向口袋里吹胀了气，以此形成翻滚的波浪……使用的槽是锡制的、空心的，在空心的槽里灌上一半水，摇槽时里面的水便会动荡，发出典型的威尼斯河水的冲击声。”舞台上一切的安排就是要把一个不容怀疑和增减的情节让观众接受。
中国的戏曲注重的是演员的表演，对戏曲的情节并不十分苛求。戏曲也强调逼真，但这种逼真不是在摹仿现实的细节摹仿得惟妙惟肖的基础上，而是通过演员的表演，把舞台上没有的东西“无中生有”地表现给观众看。如布莱希特看了梅兰芳表演的《打渔杀家》后写道：“他表演一位渔家少女怎样驾驶一叶小舟，她站立着摇着一支长不过膝的小桨，这就是驾驶小舟，但舞台上并没有小舟……观众这种感情是由演员的姿势引起的，正是这种姿势使得这场行船的戏获得名声。”
中西舞台演出的不同，自然也造就了欣赏的异趣。
西方看戏剧的观众十有八九是以认知的心态去观赏的。他们努力设身处地地沉浸到剧中去，做一个“事件过程”的偷窥者或目击者。在戏剧的剧场里，观众的神情始终是关注的，观众席上始终是寂静的，大家都在悄悄地“偷看”台上发生的“事件”。观众即使被“事件”触动，也不敢即席发声与伙伴交流，就像在现实中不敢打扰旁人的生活一样。走出剧场，他们感受的焦点在于，评判演员和情节“像”还是“不像”，反思自己“知”还是“不知”。如果“知”了就不再进剧场。西方戏剧以及类似样式的艺术，一般很难吸引没有偏爱的回客。
中国观众到剧场里去看戏，与其说看戏曲故事，不如说看演员能力。老练的观众常常不以戏曲故事作为看戏的选择，而以某一个演员的演技作为看戏的选择。中国戏曲剧场中，名演员的折子戏（剧目中最能表现其演技的片断）专场往往比完整的戏曲故事演出更能吸引人。重演技的结果锻炼出了演员超乎寻常的表现力：如青年演员能扮演老年；老年演员能扮演青年；男演员能扮演女人，如京剧的梅兰芳；女演员能扮演男人，如越剧的徐玉兰。这种强调表现力而不重客观真实的舞台准则，是西方戏剧闻所未闻，不敢想象的。
（节编自陈伟《中国戏曲点燃布莱希特的理论火花》）
材料二：
清初画家笪重光在他的《画筌》里一段论画面空间的话，也正相通于中国舞台上空间处理的方式。他说：“空本难图，实景清而空景现。神无可绘，真境逼而神境生。位置相戾，有画处多属赘疣。虚实相生，无画处皆成妙境。”
中国舞台表演方式有独创性，我们愈来愈见到它的优越性。中国舞台上一般地不设置逼真的布景。老艺人说得好：“戏曲的布景是在演员的身上。”演员结合剧情的发展，灵活地运用表演程式和手法，使得“真境逼而神境生”。演员集中精神用程式手法、舞蹈行动，“逼真地”表达出人物的内心情感和行动，就会使人忘掉对于剧中环境布景的要求，不需要环境布景阻碍表演的集中和灵活。“实景清而空景现”，留出空虚来让人物充分地表现剧情，剧中人和观众精神交流，深入艺术创作的最深意趣，这就是“真境逼而神境生”。这是艺术所启示的真，也就是“无可绘”的精神的体现，也就是美。
做到了这一点，就会使舞台上“空景”的“现”，即空间的构成，不须借助于实物的布置来显示空间，恐怕“位置相戾，有画处多属赘疣”，排除了累赘的布景，可使“无景处都成妙境”。例如川剧《刁窗》一场中虚拟的动作既突出了表演的“真”，又同时显示了手势的“美”，因“虚”得“实”。《秋江》剧里船翁一支桨和陈妙常的摇曳的舞姿可令观众“神游”江上。中国的演员能用一两个极洗炼而又极典型的姿式，把时间、地点和特定情景表现出来。
（节选自宗白华《美学散步·中国艺术表现里的虚与实》，略有删减）
1．下列对材料相关内容的理解和分析，不正确的一项是（ ）| A．斯坦尼斯拉夫斯基要求演员变成角色，就是为了舞台逼真，让演员的表演更符合剧情的客观真实性。 |
| B．中国戏曲注重演员的表演，与西方的戏剧相比，中国的戏曲情节在客观真实性上远不如西方的戏剧。 |
| C．西方观众看戏剧都抱着认知的目的，关注的核心是演员和情节与客观现实的关系，收获的是“知性”。 |
| D．古希腊的亚里斯多德写的对戏剧进行理论总结的名著《诗学》，深刻地影响了后来的西方戏剧理论。 |
| A．中国的戏曲的“逼真”是通过演员的表演，把舞台上没有的东西“无中生有”地表现给观众看，与客观现实没有什么关系。 |
| B．中国观众看戏，主要是看演员的表演能力，因此老练的观众对那些最代表名演员表演能力的折子戏专场更有兴趣，百看不厌。 |
| C．中国舞台上一般不设置布景，为的是不阻碍表演的集中和灵活，留出空虚来让人物充分地表现剧情，剧中人和观众精神交流。 |
| D．《画筌》里关于画面空间的理论，与中国戏曲舞台上空间处理的方式相通，这说明中国戏曲理论受到了中国绘画理论的启发。 |
| A．白雪阳春都妙句，高山流水自知音。 | B．数声唱出千秋事，双手招来百万兵。 |
| C．三五步遍行天下，六七人百万雄兵。 | D．借虚事指点实事，托古人提醒今人。 |
5．德国戏剧改革家布菜希特在导演《大胆妈妈和她的孩子们》时，在舞台上表现随军女商贩大胆妈妈跟着大军转战欧洲，却让演员拉着小篷车只走了几圈。布菜希特为什么这样处理？请结合材料，谈谈你对他的做法的理解。
材料一：
一切艺术的问题都是韵律问题。要弄懂中国的艺术，我们必须从中国人的韵律和艺术灵感的来源谈起。这种对韵律理想的崇拜首先是在中国书法艺术中发展起来的。学习书法艺术，实则学习形式与韵律的理论，由此可见书法在中国艺术中的重要地位。我们甚至可以说，书法提供给了中国人基本的美学，中国人就是通过书法才学会线条和形体的基本概念的。因此，如果不懂得中国书法及其艺术灵感，就无法谈论中国的艺术。
书法不仅为中国艺术提供了美学鉴赏的基础，而且代表了一种万物有灵的原则。如上所说，中国书法探索韵律和形式，是从大自然中捕捉艺术灵感的结果，尤其来自动植物——猛虎的利爪、麋鹿的捷足、骏马的劲力、熊罴的丛毛、白鹳的纤细，或者苍老多皱的松枝。凡自然界的种种韵律，无一不被中国书法家模仿，从而直接或间接地形成某种灵感，以造就某些特殊“书体”。比如一位学者看到一棵松树树干弯曲、树枝下垂而不直立，表现出一种惊人的坚韧和力量，他会将这种美融入自己的书法风格，于是我们就有了“劲松”的笔法。又如欲通晓中国书法，还必先仔细观察蕴藏在每个动物体内的形态和韵律。每种动物都有其和谐优美之处，这是一种直接出自其生理机能，尤其是运动机能的和谐。一匹腿部多毛、躯干高大的负重拉车之马，有其独特的美，正如一匹光滑灵巧的赛马有其独特的美一样。
需要注意的是，动植物的外形之所以美，是因为它们蕴藏着一种动势。试想一枝盛开的梅花，具有多么不经意的美丽和充满艺术感的不规则变化！彻底而艺术化地领悟这种美，就等于领会了万物有灵的内在原则，领悟了中国艺术。这枝梅花，即使花朵凋谢或被拨落，仍然美丽无比，因为它还活着，因为它表达了一种生的冲动。每一棵树的外形都显示了一种韵律，它源自某种生命的冲动，它要生长，要拥抱阳光，要保持自己生命的平衡；它也源自抵御风暴的必要。每一棵树都是美的，因为它暗示了这些冲动，尤其是因为它暗示了一种朝某个方向的运动，一种向某个地方的延伸。它并没有想美，它只是想生存，结果却是极端的和谐与令人十分满意的美。自然界有无穷无尽的形态，这些形态总是那么和谐并且富有韵律，变化万端，无以穷尽。换言之，自然界的美是动态的美，而非静态的美。这种运动的美正是理解中国书法的钥匙。中国书法的美在动不在静，由于它表达了一种动态的美，它生存了下来，并且是千变万化、不可胜数的。迅捷稳重的一笔之所以是完美的，是因为它是速度和力量的象征。不能摹仿，不能更改，因为任何更改都会带来不和谐。这也就是书法作为一门艺术非常难学的原因。
运动的动态原理生发出一种结构原理，这是理解中国书法的要旨。单纯的平衡匀称之美，绝不是美的最高形式。中国书法的原则之一，即方块字绝不应是真正的方块，而应是一面高一面低，两个对称部分的大小和位置也不该绝对相同。这条原则叫作“势”，代表着一种冲力的美，结果，在这种艺术的范型中，我们有了不少看似不平衡，实际却十分平衡的结构形态。
中国书法作为中国美学的基础，其中的全部含义将在研究中国绘画和建筑时进一步看到。在中国绘画的线条和构思上，在中国建筑的形式和结构上，我们将可以分辨出那些从中国书法发展起来的原则。正是这些韵律、形态、范围等基本概念给予了中国艺术的各种门类，比如诗歌、绘画、舞蹈、建筑、瓷器和房屋修饰，以基本的精神体系。
（摘编自林语堂《不懂书法，别谈中国艺术！》）
材料二：
书肇于自然。书法是自然的节奏化、韵律化。唐张怀瑾论述书法与自然的关系是“囊括万殊，裁成一相”。这里面包含两层意思：一是讲书法艺术的表现形式根源在客观现实，所谓“囊括万殊”就是指对万物的高度概括；二是指书法在反映现实的时候，不是像绘画雕塑那样去直接表现自然中的个别物象，而是把“万殊”裁成“一相”，所谓“一相”就是把万物化作“点”“线”。书法的这种高度概括性，为欣赏者提供了广阔的想象天地。
书法艺术从“万殊”发展成为“一相”，经历了一个历史过程。徐悲鸿曾说：“中国书法造端象形，与画同源，故有美观，演进而简，其性不失。”这段话说明书法艺术由低级向高级的发展过程，也就是由再现到表现的发展过程。象形文字侧重于客体，即对个别事物的描绘。当书法由具象发展到抽象，重点便转移到点线形式与主体情感之间的联系。但并非完全脱离客观，而是概括地表现自然的运动、节奏。书法反映自然的节奏韵律的目的并不是再现自然本身，而是凭借情感与自然形式之间的内在联系，以表现情感。例如借行云、流水的舒缓流畅的节奏表现人的愉快，借苍松盘根错节的韵味表现人的坚韧不拔。宗白华曾说：“书法反映物象中的‘文’，就是交织在一个物象里或物象与物象的相互关系里的条理、长短、大小、疏密、朝揖、应接、向背、穿插等规律和结构，而这个被把握到的‘文’，同时又反映着人们对它的情感反应，这种因情生文、因文见情的字就升华到艺术境界，具有艺术价值而成为美学对象了。”所以中国书法把人的情感、自然的韵律、点线的形式熔为一炉，三者之中关键在情。自然节奏、点线运动都是为了表现情感、意蕴。因此，书法的由具象到抽象，艺术的表现力不是缩小了，而是更自由，更广阔，也更含蓄了。
（摘编自晏浩越《中国书法艺术审美解析——中国书法的审美特征》）
1．下列对材料相关内容的理解和分析，不正确的一项是（ ）| A．对韵律理想的崇拜发端于中国书法艺术，要谈论中国艺术必须懂得中国书法及其艺术灵感。 |
| B．理解中国书法的关键在于领悟自然界的动态美，这种动态的美也是万物有灵的内在原则。 |
| C．书法只有发展到文字点线形式阶段并与情感这一关键因素熔为一炉，才具备了审美价值。 |
| D．中国汉字从象形图画演变为点线符号，这既是具象到抽象的过程，也是再现到表现的过程。 |
| A．动植物为迎合人类欣赏自然和谐之美而呈现出的运动和延伸状态，实则也是它们生存的需要。 |
| B．中国书法追求行云流水的境界，不容摹仿更改，所以讲求运笔迅疾流畅、自然连贯的和谐之美。 |
| C．中国书法中的特殊“书体”全都是来自于书法家模仿自然界中的种种韵律从而形成的某种灵感。 |
| D．《只此青绿》的舞者以体态韵律表现画纸上的线条，是中国舞蹈和书法属同一精神体系的例证。 |
| A．颜真卿观察雨水从屋檐滴落在墙上浸染出斑痕，领悟行笔顿挫沉着，开创了笔画圆润厚重的“颜体”。 |
| B．蔡邕观察工匠用稀疏的扫帚蘸石灰水刷墙，扫出的白道仍有些地方露出墙体，由此开创了“飞白书”。 |
| C．陈天然在书法艺术上的灵感来自屋后黄土坡上苍劲粗壮的柿子树，因此他的书体被称为“枯藤体”。 |
| D．王羲之学习书法时，在广袤的平原中感受到“横”的舒展，从深山的古藤上感受到“竖”的坚韧。 |
5．有人评价中国书法“穷变态于毫端，合情调于纸上”，对此你如何理解？请结合材料简要说明。
